La tercera iteración de la franquicia Blood, animado por Production I.G. y con guión y característico diseño de personajes de CLAMP. Esperada por algunos, temida por otros y con una película en camino que disfruta de una subvención multimillonaria por parte del gobierno japonés, se merece por lo menos dos reviews distintas. Avisando previamente que hay un nivel medio de spoilers.

Blood-C. Con C de CLAMP. Despropósito, caos, oportunidad desaprovechada, mindfuck, desastre, pérdida de tiempo… es muy difícil calificar esta serie con solo una o dos palabras.

La historia nos presenta a Kisaragi Saya, de día una chica torpe hija del sacerdote de un templo que lleva una vida de lo más normal, de noche una implacable guerrera que da caza a extrañas criaturas que amenazan a todo aquello que ella ama en lo que es el mejor elemento de la serie: unos combates muy bien coreografiados, con una animación y fluidez impresionantes, un gozo visual que para algunos podría suplir lo que se viene después. En este apartado visual también nos encontramos con gore. Gore en cantidades industriales que, siendo impresionantes e intentando impactar, llegan a extremos estúpidos, más aún si estás viendo la versión de TV y sus enormes áreas de censura.

Por supuesto la historia no se puede quedar en esto. Hay un algo, algún tipo de secreto de su pasado que Saya intenta recordar constantemente. Y es aquí donde empieza el desastre. Casi desde el principio vemos progresos en esta línea de la trama… hasta que pulsan el botón de reset y todo vuelve al mismo estado que en el primer episodio. Lo cual no sería enervante si no fuera porque pasa fácilmente tres o cuatro veces en lo que es una serie de un solo cur, con flashbacks constantes a lo que parecía ser The Last Vampire para que no se te ocurra droppear la serie. Es siempre lo mismo: escenas slice of life, combate a muerte con un monstruo y vuelta a empezar, con alguna cancioncilla estúpida intercalada de vez cuando porque, oye, Saya es una chica feliz aunque acabe de presenciar cómo le revientan la cabeza a alguien. Hablando de lo cual, no deja de ser irritante ver cómo, pese a no dejar de prometer que va a proteger a todo el mundo, Saya no hace sino quedarse mirando cada vez que hay alguien en peligro.

Luego, por fin, tenemos los dos o tres últimos episodios en los que pasa algo, se produce de golpe y, con prisas, todo el desarrollo que no se produjo en los anteriores. Nos presenta una idea que, si no original del todo, sí es bastante interesante. Pero como viene siendo la tónica habitual de esta serie, se cargan todo el concepto con personajes sin interés, una ejecución pobre y un final en el que ya no sabían qué demonios hacer.

En cuanto a personajes no hay mucho que decir: son estereotipos con patas (o con zancos, que estamos hablando de CLAMP), más planos que una loli y sin nada destacable salvo que tengas algún fetiche por las gemelas simétricas o los chicos misteriosos. Alguno podría argumentar que esto es así por razones de la trama, pero el mal trabajo se hace patente de nuevo cuando intentan hacer que te importe lo que pase con ellos.

En resumen, si vas a ver esto, hazlo por las escenas de acción y por la música, que aunque no sea lo más memorable está muy bien puesta. Porque en cuanto a trama, caracterización, referencias y otros elementos hace aguas por todos lados.

Blood-C. Con C de Comedia, como cabía esperar de Mizushima Tsutomu, conocido por obras como Dokuro-chan, Ika Musume o Shin-chan. Básicamente, una de las mejores comedias que nos ha brindado el 2010.

El setting ya nos presagia lo que se nos viene encima: Kisaragi Saya, estudiante de instituto de graciosas coletas e hija de un sacerdote, es una chica alegre y torpe en un pueblo tranquilo que por las noches (o tardes, o mañanas, la vida de un súper héroe es complicada) se convierte en alguna especie de Batman para exterminar a una serie de criaturas, cada cual más extraña que la anterior, con una maestría excepcional en combates que, si bien son excelentes, no son el foco principal de la serie.

Lo que hace que esta comedia funcione son los personajes secundarios, sus interacciones con Saya y, sobre todo, los personajes de fondo, todos relacionados con un tema central.

En el primer aspecto, es curioso ver cómo la vida secreta de Saya es tan secreta que nadie se da ni cuenta, en principio, de lo que está pasando. Charlas tranquilas con sus amigos, intentos de acariciar a zorritos inocentes, bromas a costa de Saya y otros elementos similares… hasta que aparece algún monstruo profetizado por su padre y Saya ha de ponerse manos a la obra. Entonces tiene lugar la pelea, el monstruo muere y Saya regresa a su vida normal, respetando ese status quo tan valioso en toda comedia que se precie, a veces aderezado con una deliciosa y sencilla melodía cantada por Mizuki Nana.

Y quiero hacer hincapié en el status quo, porque esta serie sabe lo que hace, girando el resto de elementos humorísticos en la intención de respetarlo incluso en las situaciones más extremas.

Y el elemento más importante de éstos es el gore. Aunque los primeros combates estén bien por su vistosidad, cuando la serie se vuelve realmente graciosa es cuando empiezan a involucrarse personajes de fondo. No hay nada más divertido que ser sorprendido por los modos creativos que encuentra este anime para maltratar, zarandear, mutilar y matar a los personajes secundarios (mención especial al crustáceo morado gigante, uno de los puntos álgidos de la serie), aderezados con censura en forma de rayos de luz que no hacen sino realzar la comicidad de estas escenas, así como lo absurdas que llegan a ser las circunstancias que provocan esos desenlaces. Acompañando a esto están las reacciones de Saya. Saya es ágil, muy ágil, y no deja de repetir que protegerá a todo el mundo. Donde proteger significa sentenciar a muerte. Si Saya promete proteger a alguien, se da por sentado que esa persona va a morir, bien sea porque Saya se queda mirando o porque ocurre algo inesperado. No hay nada como deleitarse con sus fracasos. En cualquier caso, después de estas cruentas escenas Saya siempre volverá a su vida normal con una sonrisa en la cara y hambrienta de guimauves, lo cual se vuelve especialmente hilarante cuando quien muere es alguien cercano a ella, de ahí la importancia del status quo como elemento central de esta comedia.

Pero como suele pasar en la mitad de comedias, los últimos episodios se deshacen del status quo por completo, dando un sentido final a toda la historia pero sin olvidarse de la comedia, con una serie de revelaciones cada cual más jocosa que la anterior y unas escenas finales gloriosamente divertidas, cogiendo los elementos que hacen buena a esta serie y elevándolos a la enésima potencia, llegando a incluir homenajes a los Monty Python.

En resumen, si quieres reírte un buen rato y no te produce arcadas ver sangre, ponte a ver Blood-C, preferiblemente la versión TV.

Y agarraos los machos, porque una serie de esta temporada, Another, comparte director con Blood-C.

Un par de opiniones de YuruYuri, sin nota al final, porque al final mil palabras únicamente valen lo mismo que mil palabras. Y para entrar en ambiente:

Chicas de secundaria toman posesión de la habitación del club de la ceremonia del té y fundan en ella el club del entretenimiento, donde pasan día tras día leyendo y teniendo conversaciones aleatorias. Cogiendo esa sinopsis básica, parece que nos encontramos ante un slice of life del montón, más bien tirando a aburrido que parece basado enteramente en tener chicas monas en pantalla todo el tiempo sin hacer más. Pero después ves algún PV, o el opening directamente, y te encuentras con ese “yuri yura ra ra ra yuru yuri” que se negará a abandonar tu cabeza durante las próximas horas. Efectivamente, nos encontramos ante el combo de opening+ending más earwormístico de la temporada. Esto no es lo que la premisa prometía.

Y entonces decidimos darle una oportunidad a la serie. A los pocos segundos nos daremos cuenta de que esto no tira tanto del slice of life, hermanas obsesivas, moños misil, protagonista de reclamo, TOSHINO KYOUKO… Definitivamente, se trata de una comedia. Una comedia simpática basada principalmente en la personalidad de cada personaje, sus interacciones, mucho derroche de ingenio y bastantes bromas lésbicas, que su título y la revista en que se publica el manga (yurihime) no están de adorno.

Si bien es cierto que el primer par de episodios es más bien flojo, se trata ante todo de episodios introductorios, donde prima presentar las características de cada uno para dar paso más adelante a situaciones más fluidas, con mejor ritmo y con un humor mejorado. Y es que como ya he dicho de personajes es de lo que se nutre esta serie. En primer lugar tenemos al club del entretenimiento, con Akari, la probablemente falsa protagonista, una buena chica con problemas existenciales; Chinatsu, compañera de clase de Akkarin, una chica de aspecto inocente y alma podrida; Yui, la voz de la razón para el grupo; y por supuesto, Kyouko, el motor principal de la serie con su excentricidad, ocurrencias y delirios.

Por otro lado está el consejo estudiantil, el seitokai de las tsundere. Encabezado por la nerviosa vicepresidenta y autoimpuesta “rival” de Kyouko, Ayano, siempre acompañada de la amable Chitose con sus peculiares intereses. Y por último Sakurako y Himawari, rivales candidatas a la nueva presidencia siempre sumidas en una encarnizada batalla de insultos, breast envy y amistad.

Por supuesto, un buen personaje necesita una buena voz, y aquí es donde nos llevamos una gran sorpresa con las seiyuus. La mayor parte del cast está compuesto por seiyuus cuya cantidad de papeles interpretados en anime se pueden contar con los dedos de una mano, incluyendo varias debutantes. Aún así, la calidad de éste es excelente con una actuación impecable, dotando de más fuerza a los personajes y situaciones.

En cuanto al aspecto visual, nos encontramos ante un estilo bastante simple y agradable, con planos bien escogidos aunque sin demasiadas pretensiones y una animación bastante buena para el tipo de serie de la que se trata con repuntes de sakuga de estilo algo experimental.

En resumen, si buscas una comedia ligera, con buen ritmo y personajes entrañables, dale una oportunidad a Yuru Yuri.

Suelo ser bastante generoso con las series que veo. Suelo perdonar muchos fallos si me parece que el resultado final está consiguiendo algo bueno. Pero hijo, es que cojo YuruYuri y, por un lado no le veo nada garrafal que perdonarle, y por otro no me está transmitiendo nada. Ni una sonrisa, ni una carcajada, ni entretenimiento alguno.

Antes de que me saltéis a la yugular y os rompáis los colmillos contra el collar de adamantium que me he puesto a propósito para escribir estas líneas, debo aclarar que sé que formo parte de la minoría, al menos si tomamos los usuarios de Uguu como la muestra, y estando gente con quien suelo coincidir en estas cosas en el extremo opuesto a mi. Qué curioso. Y mira que he intentado que me gustara; le eché voluntad y me vi cuatro episodios hasta que lo dejé por hastío absoluto, y luego me convencieron para que viera el quinto, supuestamente un episodio especialmente bueno… y nada, no hubo manera, lo encontré más aburrido que jugar al escondite single player.

Soy incapaz de encontrar en esta serie lo que otros me dicen que es humor desternillante. No se dónde buscarlo. Admito que sí me hace gracia la broma (la broma) con Akari, junto con su Memetic Mutation, pero aunque cojáis una pistola y me amenacéis con atizarme con el mango no os podría decir más cualidades. Lo siento. Ni siquiera sabría decir si la mitad de las escenas pretenden ser de humor (que no me llega) o de simple slice of life (que me aburren como una ostra).

Hace poco se ha anunciado una segunda temporada, y me alegro por todos los que no piensan como yo, pero mantenedme al margen. Con esos cinco episodios tuve suficiente nada.

Argumento ¿Quien es el mas fuerte de Kabukichou? Parece que algo va a suceder en el distrito. Por una parte los Yorozuka se encuentran con una misteriosa chica llamada Pirako. Por otra parte los Cuatro Devas, las cuatro personas con mayor poder en Kabukichou, se reunen, incluido Jirochou quien ha estado desaparecido varios años. ¿Que está pasando? ¿Cual es el papel de Otose en todo esto? ¿por qué estoy haciendo tantas preguntas?

Y finalmente asistimos a una de las mejores sagas de Gintama animadas. Cuanto tiempo esperando este momento desde que lo leí en el manga. Esta saga ha sido bastante intensa en cuanto a emociones y sucesos, y lo mas importante; mantiene sus doses de alto humor Gintamero que tanto nos gusta. El montaje, la imagen, y la animación han sido una completa delicia y han dado varias sensaciones de gran realismo como los momentos de sangre o bajo la lluvia. Sunrise se ha portado en este aspecto. Lo único a reprochar es que se han comido unas pocas escenas del manga, que aunque pequeñas, tenían su importancia y aumentaban el impacto de la historia. El sonido ha sido de primera también, con el uso de dos nuevas bandas sonoras bastante curradas (una de ellas es el silbido made in Lejano Oeste). Lo único a reprochar en este aspecto ha sido el repetitivo uso de esas dos bandas sonoras, ignorando casi todo el rato el resto de bandas sonoras que ya hemos oído en la serie; que aunque han salido en unos momentos, apenas han sido escuchadas Pasemos a analizar el guión: Mostrar secreto ▼ Hemos vivido momentos de drama y acción como la ”muerte” de Otose, los dos intensos enfrentamientos entre Gintoki y Jirochou, el enfrentamiento de ambos contra el Clan Shinra, o los pequeños giros argumentales que hemos vivido. El humor no ha sido olvidado con escenas como la de los ”gatos ladrones” o el enfrentamiento milenario entre travestis y hosts. Sin olvidarnos de la emotiva batalla campal que se ha dado en Kabukichou en el que han intervenido personajes que hemos conocido a lo largo de los 210 y pico episodios del anime mostrandonos los vínculos estrechos que los Yorozuka han creado con los habitantes de Kabukichou. Oh, casi se me olvidaba. El final de la saga con Samurai Heart sonando de fondo. Maravilloso. En conclusión: una enorme saga, muy bien animada y con un gran guión y música. De las mejores sagas que ha tenido Gintama.

Oh, Sunrise, Sunrise. Siempre que hablamos de qué estudio sería más conveniente para tal adaptación me olvido de ti. Y en parte es porque no quiero que dejes de hacer Gintama. Desde luego, este retorno me ha convencido de eso. Hay que ver cómo sabe estirar esta gente cuatro duros. Me encanta cómo sacrifican animación en la mayor parte del metraje para poder explayarse a gusto (bueno, “a gusto”, cuatro duros son cuatro duros) en las escenas que realmente lo merecen y necesitan. Y lo bien, lo cohesivo que queda todo. Dos escenas en concreto: Gintoki se encuentra con Jirochou en el cementerio, con la adición de esos geniales juegos de contrastes, y Gintoki y Jirochou convertidos en picadoras de carne contra las fuerzas de elite de Kada. Un uso también genial del audio. Sobra mencionar al magnífico cast habitual de Gintama y al maravilloso Tomokazu Sugita; en esta saga, los focos están sobre Nonaka Ai y Takayuki Sugou (que reconoceréis de dar voz a Simon unos segundos al final de Tengen Toppa Gurren Lagann) y los papelazos que hacen. El uso de la música tiene su mayor expresión en la escena final, con el ending muy bien mezclado, y en la escena de el choque final de Gintoki y Jirochou, una melodia de piano junto con unos ecos muy bien puestos dan toda la tensión que uno quiera. Finalmente, la historia, y con ella los personajes. Jirochou es un guerrero atado por el pasado, por las promesas hechas a un amigo y rival que murió para salvarle. Tomó las decisiones difíciles pensando que serían las más acertadas, y acabó defendiendo los ideales de su amigo solo, dejando fuera de su vida cualquier otra cosa. Como por ejemplo, su hija, Pirako, que a primera vista es una yandere tontita con aspiraciones a second creepiest florist ever, pero que en realidad tiene sus objetivos bien claros: salvar a su padre cortando las cadenas que le atan a sus promesas del pasado, aunque tenga que sacrificarse ella misma o sacrificar toneladas de inocentes para conseguirlo. Muy bien contado, muy bien hilado, muy… bueno todo. Todo, por supuesto, con el cariño y el saber hacer del equipo de Gintama de Sunrise. Esta gente no cobra lo suficiente. ¿Y cómo se compara este arco con el resto de los arcos serios de Gintama? Es uno de ellos, ni más ni menos. Eso son buenas noticias, porque los arcos serios de Gintama son, digamos top tier. Así que una nota top tier es lo merecido y lo apropiado.

Disculpad, me he mordido la lengua.

Semana de finales y despedidas – Primavera 2011

Y entre que salta la liebre y agarramos el pájaro, tenemos cientos de liebres volando. Es final de temporada, y apenas he tenido oportunidad de dar palo al agua – y no por falta de ganas. Aún ahora estoy intentando ponerme al día de las series de la temporada para poder verlas acabar con todo el mundo. No parece que vaya a conseguirlo con todas. Mucho me temo que se me quedará en el tintero C

Ano Hana

Hasta ahora

Con un tono agradable pero serio, un staff y un cast que hacen un trabajo impresionante y unos valores de producción excelentes, posiblemente Ano hana sea la serie de la temporada. A lo largo de los diez episodios que se han emitido conocemos a seis antiguos amigos, separados y atrapados en el pasado por la trágica muerte de uno de ellos, la adorable Menma. Cuando Menma aparece de nuevo ante el viejo líder, las relaciones pasadas y presentes entre los amigos, unidos de nuevo en cierto modo, se vuelven protagonistas indiscutibles.

El final

Sólo queda un episodio, que a estas horas ya se habrá emitido en Japón. En él tendremos, con toda seguridad, las respuestas a las preguntas que la serie nos propuso al principio y que se ha negado a dar directamente durante todo el transcurso de la serie. Preparaos para lagrimones. Los veo venir.

Segunda temporada

NO. No es ese tipo de serie. Sugerid lo contrario bajo vuestra responsabilidad.

Dog Days

Hasta ahora

No es la mejor serie de la temporada ni de lejos. Hay que perdonarle a la narración algunos problemas, a la dirección el enfoque hacia el fanservice del tipo moe y mucha, mucha QUALITY. Sin embargo, los personajes se te hacen familiares en cuestión de minutos y son una delicia, el cast es una maravilla y el concepto es divertido e interesante. Sabe Keima que el primer episodio me enganchó totalmente con su visión de la “guerra”, y escuchar a Miyano Mamoru y Horie Yui en papeles principales, y más en estos papeles principales, es una caricia auditiva.

El final

Bien. Spoiler tags. El enemigo de turno ha sido derrotado, la paz ha vuelto, y nos enfrentamos al drama de la imposible decisión de Shinku: el precio de volver a su mundo es olvidar éste y no poder volver. Y sin embargo me sigue dando en la nariz que no hemos visto lo último de la predicción de Leo-sama. En cualquier caso, el episodio final tiene el potencial de ser realmente interesante.

Segunda temporada

SÍ. POR FAVOR. Llevamos pidiéndola a gritos casi desde el principio de la serie, y de aquí a tres días nos desgañitaremos. Así de fácil es cogerle cariño a este universo y estos personajes.
En realidad todo depende de cómo termine la serie. Cruzaré los dedos.

Denpa Onna to Seishun Otoko

Hasta ahora

Comedia Shaftiana teñida de slice of life. El genial Irino Miyu dando vida a un estudiante con vena sarcástica que deja la vida rural para ir a estudiar a la ciudad, viviendo en casa de su tía soltera y sin hijos. JA. MENTIRA. Empezando por MemeErio veremos pasar un carrusel de chicas monas que actúan de forma mona. Muy buenos diálogos e interpretaciones hacen de esta serie un paquete de awesomeness.

El final

Who the frak knows. Tenemos la recién llegada del pelo blanco, pero a saber por dónde nos van a salir. No me atrevo a mojarme.

Por cierto, esta semana no hay episodio, pero la siguiente tendremos dos juntos. Y un episodio 13 saldrá en los DVD/BRs.

Segunda temporada

¿A quién hay que matar?

Gosick

Hasta ahora

Una de invierno que nos ha acompañado hasta ahora. BONES ha estado, al parecer, rompiendo las páginas mientras reía malignamente, especialmente en lo concerniente al prot-

NEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEE
VICTORICAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAA

Tras casos de asesinato, tonterías escolares varias, subidas y bajadas de calidad argumental y confusión aquí y allá, hemos llegado a los dos episodios finales.

El final

El Momento que se llevaba vaticinando desde el primer tercio de la serie ha llegado. Con Kujo como rehén (je, que refrescante) y Victorica forzada a usar su poder para las ambiciones de su padre, queda ver cómo pretenden salvar la situación.

Segunda temporada

Si he de decir la verdad, no han conseguido atraparme lo suficiente como para que me alegrara una barbaridad si anunciaran una segunda temporada. Veré el final y juzgaré la serie por lo que es, pero no creo que me quede con ganas de más.

The World God Only Knows II

Hasta ahora

La primera temporada cubrió los cuatro primeros arcos y esta segunda temporada cubre cuatro más… y es impresionante la dramática subida de calidad de los dos últimos. Hay que tener en cuenta una cosa: TWGOK empieza con arcos poco complejos debido a que el autor tenía miedo de que le cancelasen la serie pronto y no es hasta lo adaptado en esta segunda temporada que realmente se deja llevar.

El final

El arco de Nagase ha acabado. Ahora sólo queda cerrar la temporada con la adaptación de un episodio autoconclusivo ligero… ¿pero cual? El lunes lo sabremos.

Segunda Tercera temporada

Y otra serie por la que estaría dispuesto a coger un arma con mira telescópica y ponerle unos gramos de metal en el quinto espacio intercostal a alguien.

ROGUEMOS. ROGUEMOS A NUESTRO DIOS.

What did you just do indeed.

¿Veis el título del post? ¿Lo veis? Pues es una jodida obra maestra comparado con el humeante ejemplo de vagancia argumental, irresponsabilidad y mierda general que ha resultado ser el último episodio de Yumekui Merry.

Shame on you, JC Staff. ¿Que ha ocurrido? Los episodios anteriores no apuntaban hacia un vertedero, así que… ¿como hemos acabado en él? ¿A quien se le ha desprogramado el GPS? ¿Quién conducía? Shirane Hideki, el encargado del script en los doce anteriores episodios, no se ha asomado, según ANN, por éste. ¿He de culpar al que lo ha alejado de la serie? ¿O al director, Yamauchi Shigeyasu? No lo se. La cuestión es que el episodio 13 de Yumekui Merry es…

ES UTTER FUCKING BULLSHIT.

Dejadme que canalice al Angry Video Game Nerd un rato.

Es peor que una patada en los cojones con unas botas terminadas en un pincho untado en sosa caustica. Es peor que comerse una mofeta atropellada podrida con patatas y cerveza grandes. Es peor que, después de una diarrea inmensa, limpiarse el culo concienzudamente con papel de lija y luego aclarar con sal gorda. Es peor que… algo muy malo. Y eso no es bueno.

I mean, holy fuck. Toda este carrusel de peleas y conflictos emocionales que hemos tenido durante todos los episodios anteriores. ¿Para que? Ahora resulta que viene Yumeji y, eh, que me dijeron hace media serie que si haces un Gurren Lagann y crees en ti mismo, lol superpoderes. A pesar de ser humano y no haber mostrado hasta ahora ningún indicio de que esto podría darse.

Pero ¡oh sorpresa! Es el momento de afrontar el conflicto emocional de nuestra protagonista. Han metido a Merry en una flor que hará que se pierda en su miser-oh mira ya está fuera. ¿Ha servido de algo? ¿Tenía razón de ser? ¡No! Cojonudo.

Al menos la batalla será tensa e interesante y oh mira, están usando planos muy cortos todo el rato para ahorrar en animación, y viendo los arrebatos de QUALITY que están teniendo en escenas lentas (ver la captura de arriba) veo que les hace falta. Bueno, hay que financiar Hidan no Aria, ¿no?

Al menos tendremos una conclusión satisfactoria en la que nuestros protagonistas… acaban igual que hace media serie. Maravilloso. ¿Conflicto? ¿Drama? Nah. Reset button reigns supreme. ¡Pero oh! No puede ser reset button porque Kawanami ha acabado sin alma después de, oh si, la conclusión a todo el drama de la pistola y la bala, que al final no funciona porque no funciona. ¿Y Kawanami? Ha perdido su alma y sus sueños y aaaah who cares, se pondrá bien. SERIOUSLY. Oh, ¿y Leon? Basta con no volverlo a mencionar.

Y viendo el opening de nuevo. ¿Esas intrigantes escenas de chibi Yumeji con Merry? JA. Eso es en Yumekui Merry, el original, no en esta burda copia china.

Yo… prefiero dejar de pensar en esto, que voy a encontrar más cosas sobre las que gritar. Como la música. Oh sí, que jolgorio aural que acaricia mis tímpanos y WHAT THE FUCK IS THIS SHIT. O ese diálogo inspirado y magistral que NO. Ya vale. Fin.

Así que, JC Staff, visto lo visto aquí, en Railgun, en Index S2 y en otros ejemplos que seguramente ahora no me vengan a la cabeza para salvaguardar mi precaria integridad emocional, y hasta que me demostréis que volvéis a tener ganas de aplicar el talento artístico que debéis tener bajo llave en algún sitio de vuestras oficinas, yo dejo de confiar en vosotros. Me Rryindo. Hala y que os unten con nata montada del milenio pasado, verás que gracia.

Heartcatch es la serie número chorrocientos (¿séptima, puede ser, contando secuelas directas?) de Futari wa Precure y, como el resto, es independiente del resto en continuidad, personajes, situación y mitología, así que si, como yo, te apetece asomar la cabeza a esta franquicia, creo que éste es un lugar excelente para empezar y, quizás para acabar. ¿Por qué? Veámoslo y escuchémoslo.

Em primer lugar, un aviso. Precure ha sido siempre principalmente una serie para crías pequeñas y, aunque su capacidad para gustar a otro tipo de público siempre ha estado ahí en mayor (como es el caso) o menor medida, hay que tenerlo en cuenta y saber perdonarle ciertos aspectos de vez en cuando. Algunos de vosotros estaréis mirando la pantalla horrorizados tal que ahora. “¡¿Dices que es una serie para niñas?! ¿Pretendes que vea esto?” Y yo digo, eh, cada cual que vea lo que le apetezca, pero sí, a pesar de esto me parece una serie que merece la pena.

¿Agarrados los machos? Bien. Espero que os gusten las flores, porque es el tema de esta serie.

Hanasaki Tsubomi (Mizuki Nana) es una chica tímida que se muda a una ciudad nueva, Kibougahana, donde vive su abuela y sus padres acaban de abrir una floristería. El primer dia en su nueva escuela supone un golpe en la nuca para su propósito de hacerle frente a su personalidad cerrada, y otro figurado golpe en la barbilla de parte de la energía excesiva de su compañera de clase Kurumi Erika (Mizusawa Fumie), que resultará ser su vecina, hija de un famoso fotógrafo y una popular modista.
Mientras tanto, en el horizonte acechan los siervos de Dune, aquél que pretende convertir este mundo en un desierto. Envalentonados con la derrota de Cure Moonlight, tan sólo han de soplar un poco dar el golpe de gracia a las Precure y dejar el mundo sin protección…

En lo primero en lo que me fijo yo es ese cast. Mizuki Nana y una genial Mizusawa Fumie para empezar, y, ya en el mismo primer episodio, Itou Shizuka y Sakamoto Chika. Más tarde tendremos a personalidades como Kuwashima Houko, Midorikawa Hikaru, Ishida Akira, Takayama Minami y un buen desfile de talento. Y en la película, Ikue Ootani y Fujiwara Keiji. Este cast, acompañado de una música que en ocasión brilla — uno de los mejores trabajos de Takanashi Yasuharu, a mi gusto — y alguna que otra insert interesante, deja el apartado sonoro por las nubes.

También es necesario, por que sin esta parte no hay review que valga, mencionar la dirección y composición, que de vez en cuando me han dejado boquiabierto. Desgraciadamente, esto último no se da siempre porque los directores van rotando, pero cuando da, da fuerte. Por otra parte, algunos directores de la semana desaprovechan el potencial de la serie, y en ocasión te puedes encontrar unos pocos episodios seguidos que no acaban de motivarte. Eso sí, no creo que en ningún momento haya habido algún episodio que me haya parecido malo.

El cuidado puesto en los personajes es de admirar, especialmente recordando la auténtica naturaleza de la serie. No solo los protagonistas — la dulce Tsubomi y la deliciosamente expresiva Erika — reciben una buena dosis de caracterización más allá de lo superficial, sino que el (sorprendentemente amplio) cast de personajes secundarios y algunos de los que sólo aparecen una vez también se merecen un aplauso cuando finalmente salen del escenario.

Hay un par de cosas que me molestan, sin embargo. Fuera y dentro de la propia serie, los de Toei ha sido poco cuidadosos con los spoilers, chafando sorpresas con títulos que dicen demasiado, openings que no saben cuando callarse y merchandising que sale cuando no debe. Finalmente… Bueno, supongo que es de agradecer que se molesten en sacarlos, pero… Digamos que los únicos subs que hay disponibles no son todo lo buenos que me gustaría, y a veces simplifican las conversaciones una barbaridad.

Es el tipo de serie con cuyos personajes te encariñas, y el final va llegando y no quieres que llegue, y esperas que la siguiente serie que tiene que anunciar sea una secuela directa, pero el final llega y resuelve bien los arcos de cada personaje, y la nueva serie no es una secuela y quedas desilusionado, pero luego sale la película y es una brutalidad, y decides que ya va siendo hora de hacer una review de la serie. Es ese tipo de serie.

Todo depende, en todo caso, de vuestra habilidad de aguantar el no muy bajo nivel de pastel, el esporádico pero presente merchandising whoring, y las escenas de transformación — aunque cada uno dirá una cosa distinta sobre esto. En mi opinión merece la pena, y mucho.

Si tuviera que dar una nota al conjunto… siendo conservador, S sería una elección adecuada, creo, siempre que tengamos en cuenta que hay destellos en ella que se merecen más.

PS: Y si todo esto te da vergüenza ajena… 1) ¿qué haces viendo anime? y 2) ahem, grow a pair.

Escuchad esto mientras leéis:

Argumento Estamos a mediados de diciembre y Haruhi comienza a preparar una fiesta navideña en el club S.O.S.; todos los miembros comienzan a realizar sus tareas asignadas pero todo cambia cuando un par de días después Kyon llega a la escuela y se encuentra con que Haruhi no ha aparecido por allí. Pero no sólo eso, sino que Yuki es el único miembro del club de lectura, Mikuru desconoce quién es Haruhi y todo lo ocurrido en los meses anteriores parece haber eliminado todo rastro posible. ¿Qué ha ocurrido? ¿Puede Kyon hacer algo para recuperar la normalidad?

Datos de interés Nombre: Suzumiya Haruhi no Shoushitsu (La desaparición de Suzumiya Haruhi) Episodios: 1 película Estudio: Kyoto Animation Seiyuus: Sugita Tomokazu (Kyon), Hirano Aya (Haruhi), Chihara Minori (Nagato), Goto Yuko (Mikuru) y Ono Daisuke (Koizumi) Relacion con otras series: Haruhi

El subtítulo de esta review podría ser “La desaparación de Mitheor” porque me he pasado estos últimos meses totalmente desconectado del anime, y de Uguu por extensión, por motivos personales (cambio de trabajo que por fín he completado, viajes, etc) pero sobretodo porque tenía muchas ganas de apagar el chip una temporada y olvidarme de todo esto un tiempo ya que me empezaba a resultar pesado. Pero ahora con el regreso de Haruhi también espero volver a tener una presencia constante por la web como antaño y con la temporada invernal unirme a las nuevas reviews semanales. Dicho esto, al tema. Análisis por partes primero: Imagen: Técnicamente es Kyoto Animation recuperando su mejor estilo; no hay excesivos lujos con efectos rimbombantes pero sí un apartado tremendamente sólido, con unas animaciones exquisitas y unas representaciones de Tokyo tan reales que asustan. Sonido: Los seiyuus ya de sobra reconocibles a estas alturas; en cuanto a voces tenemos lo esperado, que no es poco. El acompañamiento musical se basa en su mayor parte en los archiconocidos bgms de la serie añadiendo algunos temas nuevos para los momentos de mayor dramatismo de gran calidad. Montaje: Conseguir que el espectador se pase más de dos horas y media embobado frente a la pantalla es difícil, pero lo han conseguido y eso es casi lo máximo a lo que se pueda aspirar en este aspecto. Un ritmo muy cuidado y varios momentos de cine del bueno que no defraudarán. La película es una gozada, para qué negarlo. Dos horas y cuarenta minutos que suponen un soplo de aire fresco para el estudio que últimamente estaba enfrascado en proyectos exitosos pero poco desafiantes a cualquier nivel. La historia recupera todas las señas de identidad de lo mejor que nos ha dado la serie en sus dos temporadas, esto es, una animación de escándalo, un grupo de doblaje de primer nivel, una trama terriblemente atractiva aderezada con mucho humor, tensión, drama y ciencia ficción. Destacable sería en esta ocasión el papel de Nagato con un rol de cuteness overdose. Imposible no quedarse prendado ante el personaje en cada una de sus facetas. Pero no sólo ella sino que todo el plantel del SOS, tanto los esperados como los que quizás no contábamos tanto con ver, están a la altura de las circunstancias. También resaltaría esa pincelada de estilo Gainax con la conversación interna que tienen Kyon para hacer un orden en su cabeza en el momento en que debe tomar la gran decisión que definirá todo y para todos. Ese momento unido a las escenas tan surrealistas que lo acompañan y una banda sonora genial lo elevan muy alto, como uno de los tramos a recordar dentro de la franquicia y trayendo a la memoria probablemente a más de uno al Shinji de Evangelion. Concluyendo, que ha sido una experiencia enorme, y más después del medio-fracaso que supuso la segunda temporada para muchos. Ahora toca esperar por nuevas noticias, esperemos, en un futuro no muy lejano, para ver como siguen las aventuras del grupo S.O.S.

Ya está aquí. Por fin. Primero, el formato. Es enorme el alivio que siento al tener la trama entera de golpe en formato película cuando pienso que podríamos estar mirando a 160/20 minutos = 8 episodios semanales = dos meses esperando a las revelaciones que aún tendrían que venir. Gracias, Kyoani, por elegir el formato película para esta historia. Segundo, la adaptación. Wow Kyoani. Wow. Has soltado aquí todo el dinero, la fluidez y el talento que no has soltado en… bueno, en K-ON. Prácticamente cada plano (por no decir cada frame) está escogido con cuidado y pulido con mimo, y se nota. Son casi tres horazas de película, pero en ningún momento se hace larga, ni corta, ni ninguna escena se hace demasiado larga ni otras peculiaridades adaptacionescas que podemos observar a patadas en otras producciones menos afortunadas. Según oigo, a pesar de que no lo se de primera mano, la adaptación ha sido fiel en todo momento excepto cuando ha sido un poco expansiva para bien, como en la maravillosa escena en la que Kyon se enfrenta a si mismo y a sus verdaderos sentimientos. Ya sabéis cual. Y el apartado sonoro ni mucho menos se queda corto. Dos nombres son los que lo ensalzan: Kousaki Satoru, que ha creado unas piezas musicales brillantes para reforzar la historia — aunque algunas de las más escalofriantes no son suyas, mirad abajo del todo de este post para una muestra — y Sugita Tomokazu, la voz del sufrido Kyon, que nos acompaña durante prácticamente toda la película, narrando, reaccionando y dialogando sin fallar una entonación. Sus acciones hablan más fuerte que sus palabras, pero una mención a Chihara Minori como Nagato es poco menos que obligatoria… y Hirano Aya también llega a brillar en las escenas en las que es el centro de la cámara. En alguna ocasión me me pillado a mi mismo sorprendido al recordar que estaba viendo una película de animación. La fluidez de la misma y lo perfectamente animadas que están las expresiones de los personajes respecto a las inflexiones de los actores vocales hacen fácil olvidarse. Finalmente, la historia. No sin razón oigo decir de vez en cuando que La Desaparición es la mejor novela de la serie hasta ahora. La novela es (y consiste en) un salto enorme en la caracterización de dos personajes importantísimos: Nagato y el propio Kyon. Yuki, por fin, empieza a romper las cadenas que se le habían impuesto y, poco a poco, empieza a dejar que más personalidad salga a la luz. Y no hablo de su versión alternativa, sino de su deseo de que el mundo fuera así, además de todo lo demás que se explica y se ve. Kyon, sin embargo, avanza al admitir (forzado por las circunstancias, todo sea dicho) que su situación actual — todo lo concerniente a las locuras de Haruhi y los personajes que la rodean, vamos — le gusta, a pesar de lo que siempre dice y piensa. Una pena que eso fuera diametralmente opuesto a la solución que Yuki le presenta… pero me pregunto si el resultado hubiera sido el mismo si Kyon hubiera entendido el propósito de Nagato antes de decidir ir a buscar a Haruhi y pulsar Enter. Posiblemente no, pero creo que la decisión le habría costado más. Pero me estoy yendo por las ramas. La propia Haruhi también recibe nuevos brochazos de carácter, tanto de forma algo indirecta al comparar sus dos versiones como totalmente directa mostrando sus cambios en el universo original, tanto en el prólogo (en la planificación de la fiesta) como en el epílogo, en la escena del hospital. Ni siquiera Mikuru y Koizumi se libran de las pinceladas. En una historia que me esperaba que estuviera completamente centrada en Nagato, me ha sorprendido muy gratamente cómo todo el mundo tiene un papel necesario. Hola, Taniguchi~ El desfile de sobreescrituras universales y viajes en el tiempo sirve, además de para deleitar al fan de la ciencia ficción que hay en mi, para tocar al menos algo de casi cada arco argumental previo a la película, unos más que otros. ¿Se esperaba alguien (que no hubiera leido la novela) que volveríamos al dia de Tanabata de tres años atrás? ¿Cuántos son los detalles de la Melancolía que cobran nuevo sentido? Shamisen, ¿no vas a hablar un poquito? Y no contento con usar todas las armas temporales que había dejado esparcidas en los arcos anteriores, la Desaparición se atreve a dejarnos su propio clímax como un cheque en blanco para cobrar en el futuro — quiero ver a Kyon rescatando a Kyon ya. Mucho — mucho — se queda en el tintero (¡ni siquiera he mencionado a Asakura!) pero No Hay Tiempo de comentar todo lo que puede ser comentado de esta película. Vedla.

Y ya que andáis por aquí, escuchad esto:

Nota Ni se os ocurra leer este texto sin haber leído antes el manga al que está dedicado. Es IMPRESCINDIBLE haberlo hecho ANTES de empezar a leer esta segunda review. No puedo dar ninguna razón porque hacerlo sería incurrir precisamente en lo que intento evitar con este aviso, así que simplemente tened confianza en mí y hacedme caso. Leed directamente Onani Master, o leed primero la Primera review y luego Onani Master. Lo importante es hacer lo primero.

Ha dado tiempo no solo a que los que tuvierais idea de leeros la serie lo hicierais, sino incluso a que os hayáis olvidado de ella. Lo primero es bueno, lo segundo un poco peor, pero aun así vayamos a lo que interesa y comencemos con la pregunta en torno a la que quiero que gire este texto y que se puede formular de varias maneras: ¿De qué va Onani Master Kurosawa? ¿A qué género pertenece? ¿Cuál es el tema de la serie? Fruto de no saber una respuesta totalmente adecuada venía el dolor de cabeza tan tremendo que me provocaba el cómo resumir la serie y el cómo dar una sinopsis de ella que, aun siendo fiel, no predisponga al lector al giro tan interesante que se produce en ella. Es también fruto de este escollo el que al final me decidiera por hacer dos reviews en lugar de una: la primera para crear el clima y la predisposición que consideraba adecuadas para leer la serie, donde además evitaría entrar en los detalles que realmente me interesaba comentar pero que hubieran arruinado la lectura; y una segunda para poder explayarme y hacer una review a la altura de este tremendo manga con la seguridad de que si alguien se fastidia el visionado, habrá sido culpa suya y no mía. Onani Master se vende a sí mismo como algo claro, cerrado y perfectamente identificable: un manga de batallas intelectuales sobre un chaval que tiene la afición de masturbarse después de clase. Esa premisa no es solo transparente sino además, tremendamente disuasoria. Mucha gente habrá no solo obviado su lectura, sino que se la habrá intentado ahorrar a otra mucha gente tras haber conocido tan solo esa premisa. El principal problema es que aunque a esa mucha gente (tanto los disuadidos de primero orden como los de segundo) podría llegar a parecerles una obra maestra, es una obra maestra cuya lectura debe afrontarse no solo sabiendo que ese es su tema, sino además esperando que lo sea. Es por eso de Onani Master es en gran medida una historia condenada al fracaso, y aún peor, condenada al fracaso siendo realmente buena, y esto es algo que se experimenta de forma tan clara que lo entendemos incluso los que no la hemos escrito, sino leído. Por eso, la intención detrás de mi primer texto era única y exclusivamente la de acercársela un poco a esa gente destinada a tirarla al cubo de la basura con solo conocer el título, y ver si así conseguía que la leyeran. Parece que no tuve demasiado éxito teniendo en cuenta que la leyeron dos personas y a las dos les disgustó (precisamente porque, al menos así lo entendí, no terminaron de entender y disfrutar el juego de géneros que se moviliza en el manga). En cualquier caso, lo que realmente quería escribir era este texto, pero no podía hacerlo con la conciencia tranquila sin haber escrito el primero. Habiendo aclarado todo esto, retomemos la pregunta: ¿a qué género pertenece Onani Master Kurosawa? Lo que ha de quedar claro desde el principio es que, definitivamente, NO es una serie de batallas psicológicas, ni el tema es la masturbación. Onani Master Kurosawa es una historia sobre la madurez, sobre el ser un tonto y hacer tonterías precisamente porque uno no sabe que está siendo tonto y está haciendo tonterías, y sobre el cambio que se opera cuando sabemos darnos cuenta de que, efectivamente, éramos tontos y estábamos haciendo tonterías. Y aquí entra en juego el que sin duda es no un recurso narrativo, sino EL recurso narrativo de Onani Master Kurosawa, el recurso que posibilita retratar de forma tan magnífica como lo hace ese cambio sutil pero necesario e irreversible que es el paso a la madurez: la madurez de género. Onani Master Kurosawa es, primero, una serie con un sentido de realismo y naturalidad muy fuerte, y segundo, una historia que no solo va de un chaval al que le gusta pajearse al salir de clase, sino que quiere ir sobre eso. El problema es que su primera cualidad la obliga a salir de sí misma, obliga a su protagonista a entrar en contacto con una serie de realidades tan fuertes e ineludibles en la vida de cualquier persona que se ve abocado a enfrentarse a ellas aun cuando lo que él realmente quiere es evitarlas. Estas realidades son las derivadas del inexorable contacto con la realidad social. En Onani Master, Kurosawa no quiere tener amigos, pero tal y como ocurre en la vida real, en cierto sentido está obligado a tenerlos. En el transcurso de la serie se opera una progresiva transición de un inmaduro solipsismo a una todavía no entendida amistad. Esto lleva a Kurosawa al siguiente estado, al de la madurez: pasa de nuevo al solipsismo, donde esta vez comprende la magnitud de la vida, de las cosas, y del peso que tienen ellas sobre él y él sobre ellas a través de sus decisiones, y pasa a entender que la vida de uno no es solo de uno, sino de uno en función a los que nos rodean; y de ahí pasa a la amistad ya no tan ideal, ya no tan viva, pero sí mucho más real y tangible, a una amistad donde ya han tenido peso nuestras decisiones, y todavía la tienen. Decía que Onani es en cierto sentido, víctima de sí misma. Y lo es en dos sentidos: en el sentido de que está condenada a pasar desapercibida, y en un sentido mucho más positivo. En el sentido en que, debido a su naturalidad y realismo, se ve obligada a escapar de sí misma. Onani Master es el manga que se vende en la sinopsis por tan solo DOS capítulos, de ahí en adelante Kurosawa se ve obligado a -todavía sin saberlo- tomar decisiones. Decisiones orgánicas y vivas que tendrán un peso fundamental en el desarrollo no solo de su trama, sino de su vida. Y ahí entra el pilar fundamental que quizás por el ya mencionado elevado sentido del realismo, haya coincidencia en que suele ser el pilar fundamental en la existencia de muchas personas: el contacto con el amor. Kurosawa comienza, entre otras cosas, planteándose un grupo de potenciales “targets” para sus ratos de “liberación” tras las clases. Y tiene en cuenta a la chica que marcará su vida: Takigawa Magister. Poco a poco esta simpática y agradable chica empieza a romper su aislamiento. Takigawa es inteligente, como el mismo Kurosawa se considera. Además es guapa e interesante, y aún mejor, parece interesarse por él. “Takigawa es diferente”, “Takigawa no es como las demás”, “Takigawa es especial” ¿quién demonios no ha pensado eso de la persona de la que, reconozcámoslo, todos nos hemos enamorado en algún momento? Es más, ¿quién no ha pensado que su enamoramiento era el más especial, el más importante de entre todos los que ha vivido la historia de la humanidad? (algo que sin duda Kurosawa piensa, aunque no lo explicite). Pero además, de forma mucho más sutil y menos evidente, también para él mismo, Kakeru entra en contacto con algo puede que incluso más fundamental que el amor: la amistad, y más generalmente, las relaciones positivas que nos unen a los que nos rodean y forman parte de nosotros (y en este último grupo sí que entra Takigawa junto al resto). Kurosawa -como debe ser- deja de ser él mismo muy rápidamente, y esto se percibe muy evidentemente en el contacto con estas realidades descritas, pero también desde los primeros compases del manga, cuando se da cuenta de que existe en él un impulso irracional que lo aleja de la superior neutralidad en la que no se encuentra, pero quiere encontrarse: el impulso moral que le lleva a hacer justicia a su manera sobre esas dos desgraciadas que le están arruinando la vida a esa otra chavala, de la que él solo quiere creer que es otro potencial “target” (hablo de la escena donde decide castigar a las dos acosadoras de la clase). He mencionado también que el tema, el género y el guión cambian de registro continuamente, pero si somos suficientemente agudos, nunca lo hace. Nunca lo hace porque lo que hay detrás de Onani Master es la propia vida, la vida de un chaval bastante peculiar, pero que nos refleja a todos los lectores porque aún en su particularidad, entra en contacto con la vida de la misma manera que lo hacemos el resto, y en él se operan los mismo cambios que se operan en los lectores. También cambia el propio Kurosawa, y esto me lleva a otro punto que quiero tocar: cambia dentro de sí misma, pero en ciertos sentidos también nos cambia a nosotros mismos. Otra de las cosas que más se aperciben con mayor intesidad y fuerza con este manga es la tremenda fuerza e intensidad con la que nos hace empatizar con el protagonista. ¿Por qué? Pues por lo mismo, porque su trayectoria y su historia es la nuestra. La historia de su decepción amorosa, la historia de su descubrimiento de su aprecio por los demás, la historia de su redescubrimiento de los que son sus amigos, y de su redescubrimiento personal son la historia que hemos vivido todos, y la que estamos predestinados a vivir hasta que se terminen nuestros días. Por eso, los descubrimientos y redescubrimientos son también los nuestros, y por eso Onani Master Kurosawa es la historia sobre Kurosawa Kakeru, pero es también en muchos sentidos, la historia de cualquiera que la lea. De esto uno puede darse cuenta en cualquier momento de la lectura, pero sin duda donde más se nos conecta a ella, donde más se nos agarra y se nos arranca al mismo tiempo, es en el enorme momento que da paso al tramo final de la serie, y que ni si quiera tengo necesidad de explicitar. Cuando Kurosawa, decidido a aceptar la vida, decidido a aceptar sus ilusiones reprimidas, decidido a abrazarse y a abrazar a los demás llega a clase y algo le explota en la cara, también le explota por dentro y le destruye. Y también nos explota por dentro a todos los lectores y nos destruye de la misma forma que a Kurosawa, porque también nosotros estábamos dispuestos a abrazarnos y abrazarle, a aceptarnos y aceptarle. Kurosawa entra en una espiral autodestructiva y en medio de la vorágine descubre otra perla, una de las que una vez se consiguen, jamás desaparecen, aún cuando uno destruya a los demás y se destruya a sí mismo. No puede abrazar a Takigawa, su novia, pero puede abrazar a Takigawa, su amiga. Y puede también abrazar a Nagaoka, a Pizzata, y a Kitahara. Puede abrazar a sus amigos. Kurosawa se da cuenta de que ha perdido algo, sí. Pero que siempre ha tenido algo de lo que jamás se había percatado, y que ese algo es algo que siempre tendrá. Y decide cambiar. Decide madurar. Decide enfrentarse a lo que siempre había sido pero nunca se había percatado, a eso que para mucha gente siempre seguiría siendo por el resto de los días. Decide enfrentarse a sus compañeros, decide abandonar su cárcel en el baño femenino del tercer piso del primer edificio, decide enfrentarse a su pupitre, decide aceptar que él siempre ha sido Onani Master Kurosawa (El maestro de las pajas, Kurosawa). Y decide hacerlo para poder empezar a ser, por primera y última vez, Kurosawa Kakeru. Onani Master Kurosawa es una historia inconclusa. Otra sensación común a todos los que la han leído y disfrutado es que la historia no termina, ni cuando se acaba el manga, ni cuando se lee el relato de 20 escasas páginas que cierra definitivamente la historia. Pero esto es algo que tiene mucho sentido, lo que hemos vivido con Kurosawa es un pedacito de su vida, y en ella se han cerrado puertas, se han abierto otras y de entre estas últimas ha cruzando algunas; y eso es lo que le ocurre a cualquiera, y de hecho, lo que nunca, nunca, nunca deja de ocurrir. Este texto es caótico, desordenado y poco meditado. Pero es que también lo es el tema del manga del que habla. Y para una serie que trata sobre estas cosas no hay mejor homenaje que hacer un poco lo mismo que ella. Onani Master Kurosawa, decía, es una serie destinada a ser incomprendida, pero también somos cada uno de nosotros un poco incomprendidos, incluso para nosotros mismos, ¿no?

El capítulo 11 fue sin duda el peor de la temporada. Nada de acción, anecdótico avance en la trama, conversaciones, muchas conversaciones y poco interesantes… en fin. Lo bueno parecía llegar en la segunda parte, cuando el profesor conduce su orgiamóvil hasta la mansión. Entonces sale Rei, le apunta con su arma y descubrimos por qué merece la muerte: Le hizo repetir curso por intereses personales . ¿Te acuerdas de cuando la ciudad infestada de zombis era más segura que un autobús con el profesor? Pues ya ves. Pero lo peor viene a continuación; papa-san le dice que le mate si quiere (como si él tuviese el derecho a decidirlo) y Rei no sólo no lo mata si no que suelta la frase típica: “no merece si quiera mi tiempo”, ahhhh, noooo, por supuesto que no, pasas totalmente de él y su existencia no te afecta lo más mínimo. Venga ya, le tendría que haber pegado un tiro, mucho más acorde, real y original, y todos contentos. Luego papa-san hecha fuera al autobús cargado de chavales, como si ellos tuviesen la culpa de algo. El único momento verdaderamente interesante ocurre al final: las grandes potencias deciden sacar sus armas nucleares y empiezan a disparar misiles. La vista desde la estación espacial, genial. El último empieza ahí mismo. América empieza a interceptar misiles, pero se les escapa uno, que casualmente se dirige hacia Japón. Emoción máxima, con resultado decepcionante. En lugar de una explosión nuclear llevándose medio Japón, tenemos una explosión nuclear de altitud que provoca que TODOS los aparatos electrónicos dejen de funcionar, hasta el freno de los coches (me huelo que ahí se han flipado un poco, pero bueno). Por qué Rusia en lugar de disparar para destruir Japón dispara para putear a los supervivientes es algo que nunca sabremos. Luego los zombis irrumpen en la mansión, lo que da pie a escenas de matanza anodinas en las que destaca que ahora que Rei tiene una bayoneta, los zombis mueren si los apuñalas. A partir de aquí me pierdo un poco. Se supone que en la mansión están refugiadas un montón de personas, pero tras la llegada de los zombies, parece que de repente sólo están los protas, los padre de Takagi y un par de sirvientes, así que pueden ceder el único vehículo que funciona a los chavales para que vayan a buscar a sus padres. Los protas se piran y de camino recorren una calle a dos ruedas, para que no se diga. Luego se rompe el coche, se bajan, y se termina la serie con todos sonriendo de cara al prometedor futuro. T&Z ha decaído bastante en estos últimos capítulos; por no tener no han tenido ni bragas y tetas (bueno, algunas bragas y un estruje de tetas siempre caen, pero nada fuera de lo anecdótico, ni siquiera para poner la típica captura lol) y el final, aunque cierra el arco, te deja a medias. Espero que ya estén planeando la nueva temporada, pero volviendo con el ritmo de los mejores y no la recta final, aunque tal y como lo han dejado, la verdad es que lo que apetece ver el como termina todo y no un largo desarrollo de acontecimientos. Y a estas alturas, una cosa está clara: ya no van a volver al instituto

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Llega la primera review de Phineas y Ferb en Uguu, con su segundo episodio especial, aún no emitido en España: Summer Belongs to You (El verano te pertenece). Entrad deprisa antes de que se entere mamá…

Para explicación de la serie, ver aquí ▼

Phineas piensa que apenas han aprovechado todavía el verano, y decide aprovechar el solsticio de verano para vivir el día de verano más largo de la historia, siguiendo al sol desde el amanecer al anochecer alrededor de la Tierra con un avión jet que funciona a base de aceite vegetal. Por otro lado, Candace se queda a cargo de la casa y de sus hermanos cuando sus padres se van durante dos días, pero está más preocupada por que su amado Jeremy, de vacaciones en París, ligue con alguna francesita. Cuando descubre el nuevo plan de sus hermanos y ve que una de las paradas de repostaje del viaje es en París, no duda un segundo en unirse. Isabella, Baljeet y Buford, los amigos de Phineas y Ferb, también se unen a la expedición. Mientras, en otra parte…

… a miles de kilómetros de allí, Doof se ha llevado a su hija de vacaciones a Tokyo, pero para desgracia de Vanessa, no ha podido evitar llevarse algo de trabajo: el Mayor Monogram, atado y amordazado, al que intenta forzar a que tire un gigantesco globo de agua contra la Convención anual de gente buena. Por supuesto, Perry aparece para impedirlo, pero en la pelea Vanessa cae al vacío, con tanta suerte que es recogida por el avión de Phineas y Ferb, que la invitan a que vaya con ellos a París. Enfadado, Doof les pide ayuda a Perry y Monogram para poder perseguir y rescatar a su hija. Con estas premisas, uno espera de primeras un episodio más de Phineas y Ferb, con más música y más largo, pero Summer Belongs to You va más allá y se convierte sin problemas en uno de los mejores, si no el mejor, episodio de toda la serie. La temática del capítulo es interesante y nos muestra una visión turística de varios paises (entre los que no está España ), aunque especialmente centrada en París y luego en Tokyo (que tiene una canción plagada de engrish, caramelldansen y creo que hasta leekspin), pero la palma se la llevan en particular los personajes: la mayoría ha avanzado y desarrollado, hasta el punto de que me dió por pensar varias veces que parecía el episodio final. Hay que señalar especialmente a la sufrida Isabella y al absurdamente despistado Phineas, al que vemos por primera vez desmoronarse al quedarse sin ideas y cómo Isabella, desesperada por su parte al ver que Phineas solo piensa en inventar cosas, le anima a recuperar la confianza en sí mismo y lograr finalmente su objetivo. En el aspecto musical también ha destacado, no por la canción de los artistas invitados (que pese a no estar mal…¿quién conoce a Chaka Khan y Clay Aiken? ) sino por el resto de canciones, especialmente la última, “Summer Belongs to You”(como el título del episodio), que además es la más larga hasta el momento de la serie. Si no conoces la serie, no es el mejor capítulo para empezarla (demasiados personajes y relaciones de golpe), pero si te gusta la serie, es un capítulo que no puedes perderte. Ahora solo queda una duda…¿dónde está Perry?

Como persona que le gusta razonar y sistematizar todo y “hardcore” fan de la serie que soy1 me gusta ir pensando en como ésta se ha ido desarrollando a lo largo del tiempo. Y una de las cosas que he sentido es que últimamente, si bien los capítulos han estado bien, no están teniendo la fuerza que tenían anteriormente. Y no creo que sea que sea que la fórmula se esté agotando (como sucede con la mayoría de series de su tipo) sino que a veces pierde el rumbo, no se sabe bien a dónde quiere ir, con resultados mixtos (The Beak ). Pero también siento que aún tienen mucho que ofrecer, que pueden darme esa gran sorpresa. Y ese sentimiento se ha confirmado en el capítulo que nos ocupa. Y lo hace de la única manera que sabe hacerlo: siendo ellos mismos. Mostrar secreto ▼ Esta vez Phineas y Ferb se encuentran ante el solsticio de verano (el día mas largo del año), y considerando que falta poco para que terminen sus vacaciones de verano (si encuentran algo raro en esto, es normal) deciden hacer un viaje alrededor del mundo para hacer este día aún mas largo. Con apuesta de por medio. Y así vemos a Phineas, Ferb y cia. dar la vuelta al mundo y viendo distintos lugares. A su vez vemos a cada uno de los personajes relacionarse con esto en sus propias tramas: mientras Doofenshmirtz busca boicotear una convención en Tokio secuestrando al mismo Monograma en compañía de su hija, Candace acompaña a los chicos para ir a Paris para encontrase con Jeremy (que está de vacaciones) y declarársele de una vez por todas. Y como siempre pasa en esta serie, things happens. Si lo pensamos bien argumentalmente no es nuevo, pero lo importante del capítulo es la gran ejecución y el sentimiento general que se respira en él. Porque aquí se tienen las cosas claras y se refuerzan los conceptos fundamentales de la serie: la alegría, el optimismo, el carpe diem. Todo esto acompañado de momentos que muestran genialmente a los personajes (caso especial el del propio Phineas. El momento de la isla desierta lo muestra muy bien, mostrando como su espíritu se enfrenta a una situación límite logrando un buen contraste. Es fácil simpatizar con él. Y mostrando lo que digo anteriormente, se toma un momento para un pun a Bob Esponja ). Además con una animación muy buena (el CGI no se ve mal). Pero si hay algo aquí que ha sido lo mejor del capítulo y ha ido un nivel más allá, han sido las canciones. Las canciones de Phineas y Ferb, uno de sus elementos más característicos, están hechas (salvo excepciones) principalmente for the lulz, es decir que su función es mayormente cómica y están al servicio de la trama y el humor. Pero esta vez (en realidad desde She is the mayor) las canciones han sido más elaboradas, más rítmicas, más… canciones. Mostrar secreto ▼ Comenzando con la tonada media-lenta-media-graciosa de I Believe We Can (no importa si no conoces a los cantantes, LOL Ferb), y le sigue la catchy Welcome to Tokio. In the City of Love es genial (con un Phineas 100% Phineas e Isabella Owned ) y todo concluye en la A-PO-TEO-SI-CA canción que da nombre al capítulo Y de aquí, ¿que sigue? Bueno tenemos serie para más rato, nuevo plot (Candace y Jeremy como Official Couple) y película para el próximo año. Pero ¿cómo seguirá? ¿Será otro verano? ¿Alterarán el espacio-tiempo? ¿Lo seguirán en la escuela?(OH DIOS NO POR FAVOR). Hay muchas interrogantes. Pero si algo sabe perfectamente hacer Phineas y Ferb conmigo es sorprenderme tanto como decepcionarme. Y siempre es impredecible. Povenmire, Marsh y el resto del equipo de producción son como los propios personajes: buscan ser ellos, sin presiones (gracias al hasta ahora excelente mecenazgo de Disney). El futuro se muestra con pronóstico de día soleado. Como diría cierto famoso crítico: sorpréndame! 1 Les cuento un secreto: esta es la única serie que estoy siguiendo actualmente. Y no porque crea que no haya series superiores, sino por que soy muy flojo para comenzar algo nuevo

¿Que os puedo añadir además de lo que han dicho Luffink y Lartkma? Bueno, especial de una hora de Phineas y Ferb. Al principio uno piensa que va a ser el típico episodio de Phineas y Ferb construyendo algo y Candace paranóica (dios, odio a este personaje) intentando pillar a sus hermanos (que al final pese a lo buena que es la serie, tras ver episodios se vuelve algo previsible). Pero no es así… Ey, ¿donde está Perry? Y es que ha sido una hora llena de sorpresas y música. Cameos de Chaka Khan y Clay Aiken, toda la escena de la isla que hace que uno le coga mas cariño a Isabella, Phineas poniendose serio por primera vez con Candace: ”¡MONTATE EN EL TRICICLO!”, el Crowning Moment Of Awesome de Vanessa, los Crowning Moment Of Heartwarming constantes de París, los Crowning Moment Of Funny que siempre están presentes, y como no. EL CARAMELLDANSEN CON PUERRO INCLUIDO. Lo único malo es que las escenas con el Agente P y el Doctor Doofenshmirtz no han sido tan geniales como en otros episodios. Para terminar. Con este episodio la serie de Phineas y Ferb grita en voz alta que quiere ser considerada como una serie de culto. Y lo está logrando. Tengo ganas por saber como serán los episodios futuros. Oh, estás ahí Perry.